Animage #023 (May 1980)

Fresh Camera Eyes #7: Tesho Genda

pg. 21-36: Cyborg 009

新たに描かれたオリジナル作品である。一話から 29話までは“宇宙樹編人間を支配しようとする “神々”と、人びとの平和と愛を守るために戦う 009たちの姿を描いている。じつは“神々”の正体はサイボーグであるが、それゆえに人間を支配しなければならないとする彼らの考えは、愛の女神フレイヤを戦いの女神に変えてまで戦おうとするところに如実に現われている。これは人間もサイボーグも心が大事と考える 009たちと〝神々”との理念の闘いの物語であった。すなわち、超越者、一般人、サイボーグ戦士、この3者の葛藤をテーマにして描かれた作品といえるだろう。

Comment from Takashi Iijima

1~9話までの一連のは最初クールから2クールつづくはずでしたが、敵の神々は実はネオ・ブラックゴーストだったということを最後まで隠さなければならず、それでは話が大きすぎて作品のふんい気が重苦しくなってしまう、009たちが華麗活躍できないので急きよ、路線変更ということになったんです。 “宇宙樹編”がつづいていたら、神々の正体が明らかになるところをもっとくわしく描けたはずなんだけどね。1話1話はおもしろかったんですが、神々の正体をほのめかす伏線がうまくいきませんでしたね。

Comment from Toyoo Ashida

009ではいままでのロボットアニメと違うものを出すために日常の生活感を強調し、アクションとの描き分けをしようとしました。だから、毎回サイボーグたちの出かけるときの服が違います。キャラ設定では、テレビ画面を考えて原作より1頭身長くし、手足も少し小さくしました。それと、ジョーは女性ファンが多いからソフトで甘い感じにし、ほかのキャラクターも主役級なので、それなりの存在感を出したつもりです。割と気に入っているキャラクターは岩の巨人、カジノのマリリン・モンロー、それメルヘンランドの口さけ女 ?! いちばん気に入ってるのはオーディンです。自分の力の70%ぐらい出せたのが1話で、ぼくのイメージはあれに集約されています。

10話から21話は各人のプライベート編として、それぞれの原作にないエピソードや過去の因縁話や女性関係などの新しい話をギルモア博士をふくめた10人を中心として、さまざまな国を舞台に作られている。今回のシリーズの中でも話完結の明快な話の作り方で、キャラクターの魅力も十分に浮きぼりされている。視聴者からのファンレターも一番多かったのがこのパート。特に絶賛された話としては、若かりしころのギルモア博士が出てきた回(第13話〝人食いメルヘンランド〟で登場)などの話がある。

Comment from Ryosuke Takahashi

個人の話で構成のパーて 2はぼくのねらいではなく石森先生と東映との企画なんですよ。神々編を中断しパート2 をやった理由として、スケジュールがなかったのと、材料があまりに多すぎて消化できなかったためです。パート2をやっているあいだに神々編の構想を練ろうとしたんですよ。ですからパート2は宇宙樹編の前よりあとという形になったんです。ネオ・ブラックゴーストをやっているあいだに神々編ができるという自信が、私やスタッフのみんなが持ちはじめてオーデインなどを出していったんですが、中途半端に終わってしまって残念です。

作品では、担当演出の方が努力してくれたお鈴かげで、各話ごとにバラエティーが出て、よい作品になりました。こちらのリテイクなどの要望も全面的にきいていただけ、ありがたく思っています。 NBGを出すあたりで考えたことは、いままでのアニメになかったものをということで、3 兄弟を出したんです。それと、ラストでのドンデン返しをねらったガンダールの存在ですね。この首領たちとガンダールの対決は、人間の中に巣食う善と悪を強調するキャラクターとし設定しましたので、内面や心情を中心に作品を作りました。

Comment from Takeyuki Suzuki

22話からはネオ・ブラックゴースト編である。 NBGの首領の3生児たちは決して009たちの前には姿を現わさない。世界各地にある組織につぎつぎと命令を下すだけだ。彼らはサイボーグたちの人間的なやさしさにつけこんでくる。世界征服の野望のために、ときにはジョーやフランソワーズの親友や幼なじみまでも、その非情な戦いに巻き込んでいった。 3生児はいわば人間の心の中の悪を象徴しており、対する善はガンダールであった。最初は知らずにNBGに利用されていた彼だが、自分の存在意義を悟り、サイボーグ戦士とともに悪の前に立ちふさがった。

OP/ED thoughts

昨年2月中旬、日本コロムビアにて成田賢による吹き込みがおこなわれた。テレビアニメの主題歌は、はじめてという成田賢だが、自作のLPまで出している自信もあって、緊張感はそれほど感じられなかった。石森氏も直接、成田賢にイメージを伝えた熱の入れ方もひとしお。せまいミキサールームの中に、約20名の関係者がつめかけての4時間。声もかすれるほどに、り返しくり返しNGランプがつく。成田賢コロムビア音楽ディレクターである木村氏の、まさに真剣勝負、一騎打ちという感。少しでもイメージが違うとNGを出す木村氏。そのきびしさは、ほかのスタッフから「もういいでしょう」とタメ息まじりのつぶやきが出てくるほどである。こうして終了した吹き込みだが、後になって、「実は2番があったんですよ。これは、1番と3番なんですよ」と関係者が教えてくれた。また曲自体もA、B2曲作られていて、実際に採用されたのは、Bのほうで、Aの曲とそれにあわせてあった歌詞もボツになったとのことである。この2番となるはずであった歌詞とは轟く雷鳴よく似合う機械の戦士とひとのいうだが9人は赤き血を緑野に咲かす愛の花怒りに咆える胸の音笑顔に隠す涙雨サイボーグ戦士誰がために戦うサイボーグ戦士誰がために戦ういままで、1番から3番まであって、テレビで流れなくてもレコードには収められていることは、しばしばあった。それを考えると残念である。ほかの作品でも同じように幻となって消えていった歌詞が、たくさんあるのかもしれない。

Comment from Kosei Tomita

ギルモアの場合は、そそっかしい部分と鼻の大きいところをどう表現するかが課題でした。ほかの仕事ではあきらめてしまう部分も、サイボーグの場合は本当にもったいないという気持ちで努力しました。この9人のすばらしいキャラクターたちも惜しいですし、終わる必要はないと思いました。最終回のアテレコではつめかけたファンのようすを見て、ひとつのすばらしい作品が終わってしまうんだなと実感しました。

Comment from Sachiko Chijimatsu

001は実の父に改造されて、その父親っていうのが敵方なのね。それで父親との再会は、仲間のサイボーグたちに対しての裏切りになってしまうので、小さいながらも悩んじゃうのね。 1歳の赤ちゃんの役だったんだけどカタコトじゃなくて、テレパシーでしゃべるわけ。そのテレパシーをどう表現しようかっていうのを、最後まで悩みました。実際にどんな感じなのかがどうしてもわからなくてね。

Comment from Kazuko Sugiyama

石森作品ははじめてでしたが、好きなキャラでしたし、スタッフやキャストとともに楽しいふんい気でやれました。終わったときは何か物たりないというか、あしたにでもまたはじまるのではないかと思いました。印象に残っている作品は『ジャングルからの脱出”で、自分の命を捨ててもジョーを助けるみたいな、女性のすなおな姿が出ていましたからね。それと、第1話の迫力には新しいショックを受けました。

Comment from Banjo Ginga

TV用にデザインされた005に、ぼくは男の哀愁といったものを感じ、愛着の強いキャラでした。口数の少な 2005を表現するため、うなりひとつでも手を抜かず、録音のときには入れすぎるぐらい入れました。印象が強いのは005をやるといった緊張感があった第1話です。あと、 “大西部に散った友情”ですね。終わり方は唐突で、話の展開に納得がいかず、何かやり残しているような気分で、残念でした。

Comment from Sanji Hase

はじめ、台本には「アル」と指定してあったんだけど、私は決められるのがいやなんで、濁音をとるように話してみました。台本どおりにやるというのがきらいだから、動きに合わせてふくらませて演じます。自分の身の上話をやった回が印象的でしたね。カジノ攻防戦でもいい役だったし。とてもいい体験でしたよ。人気番組に出られてうれしかったし、ファンレターがふえてたくさんの友人ができたこともプラスだったしね。

Comment from Kazuhiko Inoue

この1年間、いろいろなことがあったような気もするし、その中で自分も自然に育ってきたような気がするんですよ。終わったという実感がないんです。ぜんぶの作品はそれなりに印象深いのですが、その中で“裏切りの砂漠が一番印象に残っていますね。いま、ぼくの頭の中では1年間やった50本という作品が順不同で飛び交っているという感じ。ですから、どこをどうしたといわれると困りますね。

Comment from Keiichi Noda

前作では008で出演しましたが、今回の002は別に抵抗もなくやりました。今回の作品は娯楽の部分もありますが、サイボーグの悲哀がちょっと強く出ていましたね。ウエストサイドの決闘”を印象深く思っています。クールでいてナイスガイといった002の人間性を出せて、このあとやりやすくなりました。これからおもしろくなるというところで終わって残念でした。まだまだやりたかった・・・・・・。

Comment from Keaton Yamada

後半とってもおもしろくなり、もう 1クールほどやりたかったな。最終回のときは、いつもおとなしい人もはしゃいだりしていて、終わりの残念さが出ていたね。この1年で、思い出に残っているものはやはり昔の恋人”とのシーンだね。死神の異名をもつ、もとになった話だし。また、ほかでは全編とおしてみると、大人どうしのかかわりある話が多かったので、子どもの話が入るとめだちましたね。

Comment from Kaneta Kimotsuki

007のキャラクターは憎めない3 枚目といったところですが、ぼくとの共通点は、おっちょこちょいでサービス精神があるっていうところだと思います。変身でおもしろかったのは、ガンダールにぼけたときで、それまでは動物ばかりにばけていましたからね。最終回のアテレコのときは、これで終わりだという感じがあって、いまひとつはずまず、台本の第50話という題名がやけに目につきました。終わるというのはいやなもんです。

Comment from Kōji Totani

終了とは、非常に残念ですね。レギュラーは今回がはじめてなんですよ。前々からいっているんですが、ぼくは 008にほれ込んでいるんですよ。あとは彼のほうがほれてくれるのを待っているんですよ。そうならないうちに終わってしまったけどレギュラーの先輩がりっぱな方ばかりで、もっといっしょにやって勉強したかったですね。野田さんに自分なりにやりなさいとアドバイスを受けたときはありがたかった。

Comment from Akiyoshi Sakai

ぼくのシナリオはアン・ハッピーに終わることが多いらしくて薄情なやつだとか、いつもふられてばかりいるんだろうとかいわれています。でも、つくるほうが同情してはいけないと思う。主人公が窮地におちいり、乗り越えるときにその人物の魅力がでてくるんですよ。だから、視聴者にかわいそうだ”と思わせなければいけない。それで、いつも憎まれているわけ。ライターというのはスターをつくる影の仕事だから、作者はいつも3枚目で、くやしいから、毎回カッコいい主人公になったつもりで書いているんです。ぼくの好きな話は「ウエストサイドの決闘”、“裏切りの砂漠〟など、主人公の心情を描いたドラマ性のあるもの。009に関してはぼくのイメージ通りでした。

Comment from Masaki Tsuji

009はSF アクションものということで、ぼくの好みのジャが全滅するというので、あわてて路線変更しました。大上段にふりかぶって、だんだんしりつぼみになって終わった感じです。 009は気負いすぎたり、いじけたり、精神的にはよくなかったですけど、機会があったら時間をおいてパート3をやってみたいと思っています。

Comment from Koji Murata

曲はイメージどおりいきました。レコードやテーマ曲、メロディーなど、他番組などと比較して点数をつけるならば80点です。音楽のつけ方としては 2009らの宿命とカッコよさのバランスを考えてやりました。イメージにあう音楽がないときはつけかえたりほかのレコードからもってきたりその場で口笛を吹いたりしたこと数本ありました。 1年間の苦労というよりも、毎回毎回が苦労で、話がむずかしいときは特に苦労しましたね。フーガ調の音楽を絵にのせたときみんなが賛成してくれたのはうれしかった。でも、反対意見があまり聞かれず、ちょっと手ごえがなかった感じですね。音楽がよければ、作品のよし悪るセリフをなおしたりしていました。001は分析して指示を出しますが、それも命令ではないようにしましたし、ギルモアも命令者のようで命令者ではありませんしね。とくに、二人がいっしょにでてきたときはセリフに注意しました。また、1年間を通じて実験的要素もとりいれました。音楽に関していいますと”レコードは絶対、ヒットさせよう”と意識して作りましたし、聞かせようとしました。ですから、音楽自体は非常によかったと思いますよ。それと、欲をいえば、もっと音楽をたっぷり聞かせる場面を多く出したかったですね。それだけが心残りです。

Comment from Toru Hasegawa

従来、日本サンライズでは作品数2~3本が平均。ところが、この時期 “009” が入って計5 本。そこで、009のため新しい制作班をつくったんですよ。面識のない演出や進行さんがはいってきて、気心の知れない状態で制作をはじめたため、当初は苦労しましたね。放映本数に対してスタジオ・アニメーターはふえていないため、ンルでした。ソフトボイルド・アクションとでもいいますか、要するに笑える部分のあるほうが好きなんです。日本人は絶対に勝てないような相手に立ち向かっていくというのが好きですからね。大和魂かな。それを出すために第1話で神に立ち向かうようにしたんですけど、あまりに敵が大きすぎて、このままだと2、3回でサイボーグたちしにかかわらず、話はかなりおもしろくなると思います。

Comment from Katsumi Ota

009というのは命令者がいなくて、みんなが一丸となってぶつかっていくチームワークが主題なので、台本で命令調になってい実力のともなわない新人を使わざるをえないんです。絵の水準を引き上げなければならなかった芦田さんが一番苦労したと思いますよ。今回かなり気を使ったのは、やはり原作のイメージをどこまで生かしきれるかでした。原作どおりでは必ずしも現在にシンクロできない部分があったので、そのへんを変えたりしたわけです。でも、たのしい仕事でした。

最終話のアテレコ日は

3月3日 (ひな祭) くもり。最終アテレコの取材。場所は東京の四ツ谷にある映広音響。録音の開始時間もまえから、30人以上の女子中高生ファンが集合。放送終了ということで泣いたり、受付に入ってくる声優にサインをしてもらったり、花束を渡したりと、その反応はさまざまである。受付の部屋は制作スタッフ・声優・取材記者でゴッタ返し。人数はおよそ30人。“最終回”の空気がいやでも漂ってくる。刻々と録音の時間がせまる。スタッフや声優の人たちがスタジオ入り。階段には人一人やっと通れるぐらいの空間があるだけ。「ガンバッテください」とファンがひとりひとりに声をかける。スタジオ内はいつもとかわるこ BG? となく、お茶とお菓子が並ぶ。みんなお菓子をほおばる。談話アテレコ台本を見ながら「…N なんじゃこれは。長島・馬場･･･のことか!?」などのダジャレも飛び出す。しかし、その声は、どことなく重苦しい空気の中で聞こえていた。「本番」のランプがつく。ついに仕事おさめか……。さよなら、「サイボーグ009」!!

原作のなかでも人気のあるシリーズ—

今回のサイボーグシリーズで、最初のキャラクター作りと、インサイド・ストーリーをのぞいた全体のシノプシスにたずさわった原作者の石森氏の意向と“宇宙樹編” 特にその中でのオーディンの存在にそれなりの結論をだそうとしていたスタッフたちの意図は、期せずして”ネオブラックゴースト編” のあとのシリーズとして”ミュートス・サイボーグ編”を企画するにいたっていた。原作の中でも暗殺者編”” トナム編” “地下帝国ヨミ編”とともに、この”ミュートス・サイボーグ編”は根強い人気をもっている作品で、サイボーグシリーズの流れの中でひとつの区切りとなっている。原作では、ギリシャ神話のオリュンポスの神々をモデルにした、ミュートス・サイボーグ・グループは、試作品であった009たちの能力をはるかに上回り、彼らとの戦いに009たちは強い結束力だけを武器に立ちむかうのである。たがいに加速して戦っている最中、アポロンにほかの能力はとかれあとは勇気だけだ”と答えるジョー。そのアポロンとともに炎と燃えつきるヘレナ。最後の決戦では敵も味方も島とともに消えさるといった場面が連続し“その後、サイボーグたちの運命を知るものはだれもいない”というラストでファンに強烈な印象を与えた作品であった。原作者の石森氏は“ミュートス・サイボーグ編〟についてつぎのように語っている。ぼくはギリシャ文化をはじめ、神話が大好きなんで、そういうのを基にした話をよく創るんだよね。ミュートス・サイボーグの中ではヘレナが一番人気があるんだけど、これは劇場用009のときに作画を担当したアニメーターがヘレナに思い入れ、すごくていねいに描いてくれたんで、大変きれいにできているわけ。009から独立してヘレナファンができたくらいでね(笑)。そういう意味でも、またヘレナを出すわけにいかないんで、アルテミスというキャラを新しく出したのね “ミュートス編” “ネオブラックゴースト編” など動物がたくさん登場するのは、ぼくが動物好きだから。昔、動物マンガを描きたかったんで、一生懸命、デッサンを練習したんだよね。だから、ことあるごとにそのデフォルメした動物をいっぱい出すんだな。カバ男なんてのもおもしろいキャラクターだよな。あれは本当に神話に出てくるんだけどね。そのイメージをマンガにしただけなんだけどサ。そのうち、インドや中国などの東洋神話を基にした話を創ってみたい。いずれにしろこの”ミュートス・サイボーグ編”は、スペシャル番組なんかの1時間なり2時間なりでまとめてやれる素材だし、またもう一度やろうと思っています。

くわしく決まっていたストーリー構成

ミュートス・サイボーグ編”のストーリー構成は、すでにシノプシスの段階を終え、3話分のシナリオ第一稿まで完成していた。ここでは、新シリーズの企画意図や、展開方法についてを語り、スタッフの方々の熱き血潮に少しでもふれてみようと思う!!! 昨年秋に企画の出た「サイボー「グ009」延長のために動きだしていたスタッフは、原作の”ミュートス編”のよさを残しつつ、いかにオーディンとを結びつけるかで、終始議論をかさねた。また心情面が強く出ていたNBG までの作り方をそのまま生かすか、などについても考えた。その結論として、人間を超えるものとして、サイボーグの優越性におごりたかぶった彼らは、みずからを神と名のり人間を支配しようとする。オーディンひきいるサイボーグたちのこの考え方に対して、009たちは人間の平和のために戦うのがサイボーグであるという信念を持っている” この2つの対立するものの戦をとおして、サイボーグとはいったい何なのかを改めて考えなおしてみようというのが“ミュートス編〟の主題である。そして、このシリーズのねらいはサイボーグ対サイボーグの悲壮戦闘を中心にして、ストーリーを展開させていき、能力と能力、性能の限界、また戦いのカラクリといったものをおもしろく、かつ華やかに描いていくということである。ここで『009』チーフ・ライターである酒井あきよし氏の話を聞いてみよう。前回の009は心理的な描写に重点を置きすぎたので、全体のふんい気が重くなってしまったけど、今度予定されていたミュートス・サイボーグ編”は、サイボーグの能力をフルに発揮して、派手で華麗なアクションを展開するはずだったんです。敵のサイボーグは試作品であるゼロゼロナンバーよりはるかにすぐれているんですが、主人公たちは精神力と人間らしさで敵にうち勝っていくわけです。サイボーグ暗殺編といった形式なので、いままで敵を追う立場だった009たちが、今度は追われる立場になってしまいます。つまり、いままでは自分たちの機械である部分をかくしてきたわけなんですが、今度は機械である部分をさらけだして、能力を限界まで使わなければ生き抜けないところまで追いこまれてしまうんです。人間として、人間らしく生きるためには、機械として戦わなければならないという矛盾がでてきてしまうんですね。そのへんを追求しようと思っていたら延長ならずで。この話、やりたいんだけどなぁ。

オーディンの復活とラストは・・・

ストーリーの展開を追うと、ネオ・ブラック・ゴーストが滅び、世界に平和がよみがえった。サイボーグ戦士たちは、人間としての幸せを求めて、それぞれ世界各地へと戻っていく。新しいギルモア研究所に残ったギルモア博士は、001とともに日々を送っていたが、サイボーグたちのいない生活は寂しく、味気ないものであった。そんなある日、新聞に載っていた小さな記事は、ギルモア博士の不安をかきたてた。それは、半人半馬の怪物が現われたという記事であった。001も、危険の前兆を感じとっていた。だが、それがあのオーディンに関連するものかどうかは、はっきりしなかった。この不安をみんなに相談するた各地のサイボーグを、ギルモア博士はたずねた。だが、それぞれの生き生きとした姿を見るうちに何もいいだせなくなって、その地を去るのだった。その博士のそぶりに気づいたジエット、アルベルト、ジョー、フランソワーズは研究所にもどる。そのころ、張々湖、ブリテン、ジェロニモとピュンマには新たな敵の魔手が迫りつつあった。ケンタウロス、ポセイドンといラミュートス・サイボーグの攻撃をやっとの思いで切り抜けたサイボーグ戦士たちは、ギルモア博士のもとに集結し、人間を支配しようとする〝サイボーグ帝国〟に対して立ちあがった。敵の攻撃によって研究所を失った009たちは、襲いくる刺客を倒していく。しかし、敵の繰り出す新型サイボーグの性能の高さは、サイボーグ戦士たちの中にカゲリを落しはじめていた。そんなとき004が009たちを裏切って、サイボーグ帝国側についた。実はオーディンを倒すためであったが、これはみごとに失敗し、004はアポロンと対決するはめにおちいる。004は善戦したが、しょせんアポロンの敵ではなかった。だが、004を見守っていた009の加勢で状況は一変した。004と009の連係プレーは、能力の限界を超えてアポロンを倒したのだ。サイボーグ帝国が月にあることを知った009たちは、ドルフィンⅡ号を改造して、月へと向かう。というストーリーを見せてくれる予定だった。この後ミュートスたちとの闘い、オーディンの結末にふれるのはやめておこう。べつだんもったいぶるわけではないが、ここで書いてしまうにはもったいないからだ。ゆるしてほ　しい……。

つぎのシリーズは成るか

以上、見てきたように原作者の石森氏をはじめ、スタッフ一同は『009』に再度とりくみたいと熱望している。この”ミュートス・サイボーグ編〟だけでも、埋もれさせずに日の目をみさせてほしいものだ。それは新しくシリーズ作品としてではなくとも、最近続出しているスペシャル番組、あるいは劇場用作品として構成してもらえれば十分に見ごたえのある作品になるにちがいない。現在のところでは、白紙の状態になっているため、製作されるかは不明確というのが正しいが・・

Movie Announcement

3月で終了したこのサイボーグ009 が、年末新作劇場用として上映の予定。現在、シナリオ作成がおこなわれてお第2稿までにつまっている。 9人のサイボーグ戦士のうち、 2~3 人のキャラ設定の一部が変わるなどの情報もあり、本誌でもいずれ詳報の予定。

pg. 37-40: Gordian Warrior

pg. 41-44: King Arthur: Prince on White Horse

pg. 45: Zukkoke Knight – Don De La Mancha

pg. 46-47: Space Runaway Ideon

5月8日より毎週木曜日夜6時45分から7時15分。東京12チャンネル系にて放映

新番組・伝説巨神「イデオン」の制作がいよいよスタートするというので、まずは日本サンライズのスタッフルームを訪問。西歴2 400年、異星人との出会いを描くというこの作品は、いったいなにをねらっているのか、ブロンソン氏こと、並木敏氏をたずねてみた。(本誌ページ・ライナーノート参照)

AM.「イデオン」という作品を通じて何を語りたいと考えているのですか?

Satoshi Namiki. この作品は異星人とのコンタクト物語なんですよ。つまり異星人と出会ったとき、地球人はいったいどう対処するだろうかと考えてみた。相手も同様に、地球人と出会ったらどうするだろうかということを、語るというより、まず考えてみたいと思いました。

AM. その両者の接触を描くのが中心になるのですか? たとえば映画「未知との遭遇」では、宇宙人は地球とただ交信をとりたいというのが目的。相手のことを知りたいと望んだわけですが、この場合はどうなるのでしょ

Namiki. まず、戦いがあります。この作品の場合、異星人のほうがある伝説にこだわって攻撃してくることになるのです。

異星人と地球人とが出会う場所はソ口星。ここは地球人が移住を開始したばかりの星だった。そこへ異星人がやってきたというのは、ある伝説のエネルギーを捜す旅の途中だったのだが、その伝説とはなにかについて、長谷川徹プロデューサーはこう話す。

異星人は伝説を追って旅する

Toru Hasegawa. 異星人のあいだで語られている伝説というのはイデいうかなりパワーのあるエネルギーの存在を伝えたものなのです。しかし、実際に存在するのか、またどこにあるのかだれも知らないわけだから、異星人がにきたのも近くにきたからというだけ。

AM. しかし、異星人はそのエネルギーを手に入れる必要があるのでしょうずいぶん、のんびりしていますね。

Hasegawa. いいえ、べつに“イデ”を手に入れないと故郷が滅ぶとかいう事情があるわけではない。彼らは伝説を追いかけているのです。

しかし、伝説のエネルギーが実在するとバッフクラン側が思いはじめたとき、戦いははじまることになる。なぜなら、バッフクランがそのエネルギーがソロ星にあると信じてしまったからなのだ。地球人が発掘した第6文明人のものと思われる遺跡。その遺跡の中の巨大ロボット「イデオン」こそが伝説のカギをにぎると思い込んだのだ。また、地球人がいるのは移住星だから、戦局は自分たちに有利ともふんだのだった。そこで「イデオン」とイデ〟の関係はどうかを富野喜幸氏に聞いてみた。

“イデ”ですか･･･ウ~ン。

Yoshiyuki Tomino. それまだ不明なのです(笑)。 “イデ”　をエネルギー源にしているから「イデオン」と名づけたわけではありません。エネルギーの性質そのものについても、設定がかたまっていない状況ですから……。

AM. まだ、お話いただけませんか?

Tomino. ええ(笑)。 あらすじ

人口の激増や資源の枯渇により、人類は宇宙への移住を進めていた。アンドロメダ星雲内のソロ星はそのいくつかめの移住星。そこ地球人は第6文明人の遺跡を発掘。それを知ったバッフクランは、遺跡に伝説のエネルギーの秘密があると直感し、攻撃してくる。

動かしたときの立体感

Comment by Tomonori Kogawa

この作品では骨格を土台にした絵を描きました。といっも、ぼくはアニメーションの場合はとくに骨格をしっかり描くようにしていますけど。そはアニメは動くので絵が球体だからです。動かしたときに骨格さえしっかりしていればおのずと立体感がでる。目ばかり大きいような絵では、表情もとぼしくなってしまうものです。

レコーディングも完了!!

3月7日、キングレコードで主題歌『復活のイデオンと副主題歌コスモスに君と』のレコーディングが行なわれた。両作品ともに、作詞が井荻麟氏。作曲が、すぎやまこういち氏というベテランを起用した自信作。ことに副主題歌は美しい曲なのでご期待あれ!!

Comment by Koichi Sugiyama[English Translation]

この作品はいい歌手に恵まれたね。 2人ともうまいよ。今回はね、おとなの鑑賞にたえる歌をつくろうとスタッフと話しあったんだが『コスモスに君と』はまったくおとなの歌だね。美しい曲でしょう。音楽祭に出しても恥ずかしくないよ。

Comment by Isao Taira

『復活のイデオン』はメロディーが複雑でむずかしい歌です。むずかしい歌を歌うの、しばらくぶり。ふだんはもっと子ども向けの曲を歌っています。おかあさんといっしょなど。 4月からは阪神タイガースの応援歌も歌います。

Comment by Keiko Toda

『コスモスに君と』っていい歌でしょう。人に歌われなくてよかったなって思っちゃいました。この歌、よくよく詩を読むと哀しい詩でしょう。なのに明るい作り方をしている。哀しい詩を哀しいメロディーにのせないところがステキ。

pg. 48-49: Tsurikichi Sanpei

pg. 50: Ganbare Gonbe

pg. 51: The White Whale of Mu

Animation Screen ’80

pg. 54-57: Toward the Terra

「宇宙はイマジネーションの世界」
2、3センチ大の偶然のマチエルを拡大すると･･･「まず最初に、宇宙が舞台ということで銀河系をぬけたときは、どんな宇宙空間になるんだろうという想像があった。いままであったものではなく”地球へ・・・の宇宙空間を作りたい…。 SFの宇宙はアメリカでも絵かきのイマジネーションの産物ですよね。で、具体的にはああでもない、こうでもないとみんなで勝手なイメージで描い背景に、偶然にできたマチエル(肌あい、色むら、絵の具のはじけなど)を拡大するといった方法をとった。せいぜい2~3センチ大のものを写真をとって数100倍にひきのばすんです(上と右の写真の背景に注目)。そうすると、実に効果的な宇宙空間ができあがったわけ。これはコロンブスの卵でしたね。できあがってみると、なぁんだと思われそうだが、そこにいたるまでは、大変な苦労がありましてね (この、2~3センチ大の偶然のマチエルを写真に撮り拡大する、という方法は、昨年10月ごろからずっと外部には秘密になっていた)

「いまの科学からはでてこないメカの発想」
人間側とミュー側のメカを描きわける「メカも美術グループの産物なのですが、まず考えたのは、200 0年も先のメカというのは、既成の科学からおしはかっていったものではないだろうということ。結局、いまの科学を否定し、飛びそうもないものでも飛ぶだろうし、また飛ばしちゃえばいい、ということになった」ーそれにしてもミュー側の乗り物はトッピですね? 「ミュー側のメカは、家でこたつに入っていて、部屋にかざってある貝ガラが、あまりに神秘的でファンタジックだったので使ってみたくなった」ーミュー側と人間側の乗り物が一目で区別できますね。「話自体が大変むずかしいものですから、メカはなるべくパターン化したんです。つまり、ミュー側は曲線が多く、幻想的。管理社会下にある人間側は直線的、合理的で、しかも、ものものしく息がつまりそうな感じを出して見た。色も、ミュー側は透明感を大事にし、ブルーや緑などを多くしている。人間側はリアルな、赤黄茶色などを配してみた。ただし、宇宙空間の話もそうだが、こういうものは、アイディア、思いつきだけではだめ。スーっとその世界に入れるような伏線が必要だし、前後が大事で、またそういう実在感を出すような方法をとっています。とにかく”未来” のいろんなフォルムの舞台に、いまのメカがあわなくなってきましたね」

発想は飛躍していても力のある映像にしたい」

Interview with Isamu Tsuchida

土田勇美術監督ー長靴をはいた猫、どうぶつ宝島、長ぐつをはいた猫・80日間世界一周、龍の子太郎などの美術を担当。SF初体験。

Q. SFがはじめてでは資料などだいぶお読みに?

Tsuchida.「それこれが、ぜんぜん。いまさら資料見ても遅いですよ。あくまでイメー勝負です。 “龍の子太郎”のような昔の世界も地球へ…”のよう未来の世界。想像の世界ということにおいては同じ。ようするに、いかにもっともらしく描くかということですね。でも、こうして話を聞いてくれるのはありがたいですむ。以前は単なる背景だけでしたから…..。一つの絵、一つの映像文化として定着しつつあるということでしょうね」

Q. 背景の枚数が600枚というのはふつうの作品にくらべて少ないですね。

Tsuchida.「そう、強というところ。でも、それだけ密度はでています。きょう、ラッシュを一部見たんですけど、発想は飛躍していても絵に説得力があり耐えられる画面になっいると自分では思っています。力のある映像にしたいですね」

Q. いくつか、いままでにない宇宙空間がでてくると聞きましたが…….

Tsuchida.「ええ、特殊な宇宙空間が数種類でてきます。そうじゃないと、ナスカから地球へ、長いこと旅した感じがつかめない」

Q. たとえば?

Tsuchida.「口ではちょっと説明できないけど、ホタルがとんでいるような宇宙空間などが……。ふつうの銀河系もでてきます。」

Q. コンピューターも、ちょっと変わっていますね。

Tsuchida.「コンピューターが人間を支配する時代、そういうときのコンピューターはどういうものになるんだろう? という最初のカベがあった。う、生命をもっているんじゃないだろうか….そうするといままでの機械的なものでは合わない。メカだろうけど生きもの・・・。ここまできて、完璧なコンピューターというのは、人間のなかにあるだろうと、恩地監督のサジェッションがあった。つまり、脳・目・耳などだ。そうして生まれたのがこの(写真上) コンピュータ」

Q. あと、この映画の見どころを…。

Tsuchida.「ミューの母船が光を放ち、旅立つところなど、動画1000枚をつかい、じつに壮大な感じ。そのとき、旅立ちの曲がかかるほかにもたくさんあります」

Q. 思念波の処理は?

Tsuchida.「不可思議な画面。攪乱されているだけだから、客観的に見ることはあり得ない。感じさせられている側のカメラショット中心となる。この映画は“驚き”が随所に出てきます。演出的にも映像的にも、あれっ?と思うような場面がいくつもあと思う」

Q. まったく、はじめて出会ったスタッフの印象は?

Tsuchida.「須田正巳作画監督の絵は、華麗ではないけど、底力のあるしっかり絵だと思う。恩地監督はアニメを大きくとらえ、オレならこうするという要求を現実的妥協なしに出してきた。大変苦しんだが、やってみて、何だできるじゃないか、ということが多かった。非常に得るところも多く、とにかく、知らない同士の人間関係の緊張感を乗りこえたときにでてくるものを信じてやってきたつもりです。単なる思いつきでは絵をかきたくないし、目新しいものをとくにおいかけていたわけでもありません。結論をいえば、不可思議が実在感をもってくれれば成功だと思っています。最後に、私がこうして話しているが、あくまで美術スタッフ代表ということで、みんなの総結集ででき上っている。とくに、背景担当サブチーフの松本健治さんは、私がふんい気で伝えたことを具体的に映像化してくれた。ほかの美術スタッフ5名も、じつに濃密に仕上げてくれたことに感謝しています」 (その他、背景とキャラクターを遊離させない方法=くわしく記せないのが残念など、この映画では、さまざまな試みがなされている。そういった面からも期待作といえよう)

pg. 58-59: Ganbare! Tabuchi-kun

pg. 60: Space Battleship Yamato, Doraemon, Unico, Cyborg 009, 3000 Leagues

pg. 61-69: Discussion

アニメ映画、映画界を席巻す! スポーツ、芸能誌のみならず一般紙誌まで巻き込んで大いに騒がれたこの3月のアニメ映画の一大ラッシュ。なにせ、春休みという映画界にとって絶好のかき入れどきに、5系統の映画館がいっせいにアニメ映画を目玉商品としてかかげたのだから、日本の映画史にとっては、ひとつの事件といえよう。この異常現象は、単なる一過性のブームなのか、それとも、アニメ映画が既存の邦洋画と並ぶ“一人前の映画ジャンル”として社会的に認知される先駆現象なのか。大騒ぎしながらも、専門家たちでさえ見通しがつきかねるというのが現状のようだが、そのカギをにぎっているともいえる映画の配給・興行会社の内情をレポートしながら、アニメ映画の今後を占ってみた。

「きょうはジョー” きのうは”ドラえもん”その前が“火の鳥”……このところ試写会っていえばアニメばっかり。アタマ変になりそう」 3月上旬、仕事上とはいえ連日のアニメ試写につきあわされ、グロッギー寸前のベテラン映画記者氏が、心底、ゲンナりといった表情で思わずもらしたグチである。東映が『森は生きている』を中心とした恒例のまんがまつり、東宝が『ドラえもん』『火の鳥2772・愛のコスモゾーン』『家なき子』となんと3系列、ヘラルドと松竹系の洋画配給会社である富映画が「あしたのジョー」、それに大映が『宇宙怪獣ガメラ』と抱きあわせで『鉄腕アトム』。大半が40歳前後の「アニメを知らない大人たち」である映画記者諸氏をゲンナリさせながら、興行界の常識でいえば、異常としかいいようのない形で展開されたのがこの春のアニメ映画大戦争なのだ。昨年末現在で、日本全国には邦洋画ふくめ2374館の映画館がある。『ドラえもん』の230館をトップに、3月15 日を期してこれらのアニメ映画をかけた映画館がつごう740館余。じつに全国映画館の3分の1がアニメ一色で塗りつぶされた勘定になる。あの一連のディズニーの名作にさえ「まんが映画」の呼称しか与えなかった日本の映画界の、この突然ともいえるアニメ集中はいったい、どういうことなのか。

ベスト10に2本のアニメ

1枚の資料がある。この2月、日本映画製作者連盟 (映連)が発表した昭和54 年度配給収入ベスト10。つまり、昨年1 年に日本で公開された邦洋画の上位10作品をリストアップした表である。邦画の部を一つしてわかるとおり、 1位が『銀河鉄道999』で、9位に「ルパン三世』と、バッチリ2本のアニメ作品がランクされているのだ。それだけではない。昨年1年に封切られた邦画の本数は、331本にのぼる。うち、長編アニメ映画は別表のとおり20 本弱。配収ベスト10にこそのらなかったが、これらのアニメ作品が軒なみ大変な配給収入をあげているのだ。再編ものである『アルプスの少女ハイジ』が約6億円。『がんばれ!タブチくん!!!』が12月末集計で6億円。『龍の子太郎』をメインにした東映まんがまつりが6億5千万円。さらに、再上映ものの『ヤマト』フェスティバルが5億1千万たとえば、昨年度の映画賞をのきなみかっさらい話題を呼んだ今村昌平監督の『復讐するは我にあり』の配収が6 億円。木下恵介監督のこれまた話題作『衝動殺人息子よ』が5億7千万円。洋画の話題作でいけば『ディア・ハンター』 4億4千万円。『オーメン2』が3億 4千万円。『チャイナ・シンドローム』が2億5千万円・・・。ことを商売面でのみみれば、映画会社が、「子どものまんが映画」あつかいしかしていないアニメが、ほかの〝一人前の映画〟と互角どころか、その上をい興行成績をあげたことを昨年1年間のデータが否も応もなく実証してみせた。今春の映画各社のアニメ集中の原因は、一にも二にもこのことにつきるとみていいようだ。

やっぱり”ヤマト”が引き金

ところで商売になる映画”アニメに食指を動かし出した映画各社の中でも、とりわけ注目を集めているのが洋画系配給会社のアニメへの大進出である。アニメ映画一覧表の配給の項を見ていただきたい。老舗の東宝東和、ヘラルド、ユナイト、富士映画、東映洋画部など、これまで洋画配給を専門にしていた大手の配給会社が軒なみアニメ映画に一枚かんできているのである。かんだだけではない。東宝東和は79億円の年間配給収入中、約15%にあたる12億円はハイジとタブチくんで稼いだもの。東映洋画部にいたっては、年間配収32 億円中、半分の1億円は『999』 1本で稼いだもの。文字どおり、アニメが「稼ぎ頭」になっているのだ。このように、洋画系配給会社がアニメに進出する引き金的役割を果たしたのは「やはり52年夏のヤマトパート1だろう」 (東宝東和宣伝部)とは、ほとんどの関係者が認めるところだ。東映洋画部が配給した「宇宙戦艦ヤマト」は、配給収入10億円弱をあげ、昭和 30年度邦画配収ベスト10の6位にランクされた。つづいて翌年、同じ東映洋画部配給の「さらば宇宙戦艦」が20億円弱の配収で同4位、そして昨年の「 999」が16億で堂々のトップ進出。「最初のヤマトのころにはまだ模様ながめだった業界も、3 年連続のこの実績をみせられて、ものによってはアニメ映画も東映まんが祭りのようにいわゆる子ども相手ではなく、洋画の観客層とも重複するヤングをターゲットとした作品として十分通用するということを認識しだした」(ヘラルド宣伝部)のである。

作品評価でも上位に

「認識しだして」、昨年おそるおそるいろんなアニメ映画を出してみたら、軒なみ予想以上の成績をあげた。ならばもういっちょうというわけで、ことし春休みにふたをあけてみたら、全国の3分の1 の映画館がアニメに塗りつぶされていたという図式ができあがる。アニメ映画の興行面での隆盛ぶりはざっと以上のとおりだが、この商売上の隆盛につられるように、質的側面での専門家たちの評価があがってきているのも注目に値する現象だろう。 60人の選考委員の投票によって選ばれ、映画業界ではもっとも権威あるランクづけとされているキネマ旬報ベスト10で54 年度のそれがこの2月に発表されたが、ベスト10にこそ入らなかったものの「999』は「男はつらいよ・噂の寅次郎』 (19位) 『戦国自衛隊』(24位)「配達されない三通の手紙』(31位)などの話題作をおさえて77位でベスト20入り。東映動画の『龍の子太郎』も20位をがっちりキープしている。また、60人の総合得点でこそベスト10 入りできなかったが、この2本のアニメ作品をベスト5に入れた選考委員が相当数いたこともつけ加えておきたい。興行、作品評価両面でのアニメ映画のこのめざましいばかりの社会的進出ぶりまずはアニメファンにとっては万々歳といっていいだろう。が、さてそれでは、アニメ映画の未来はほんとうにバラ色一色といえるのかどうか。答えは “NON” である。NONがいい過ぎならば、全国の3分の1の映画館を占領するほどのブームのピークにあるからこそ、アニメ映画はいま、バラ色と灰色の未来の岐路に立たされているといいかえてもいい。

アニメ製作会社の資金力では・・・

すでにお気づきの読者もあろう。アニメ映画の動向をテーマにしながら、このレポートはこれまで、かんじんカナメの映画の製作本体であるアニメ制作会社の動向についてまったくふれないできた。いささか極言になるが、どれほど製作意欲を持っていようと、現在のところ、制作会社はアニメ映画の今後を左右するような決定的力を持っていないからだ。テレビアニメが、テレビ局の編成のつごうにより勝手に増えたり減ったりするように、アニメ映画を公開する決定権もまた、全国にガッチリと配給網や直営館を持つ映画会社や配給会社ににぎられている。彼らがウンといわないかぎり、いかにいい作品を作ろうとも、かんじんの観客の目にはふれようもない仕組みになっているのだ。 90分を越える新作アニメ映画1本を作る場合、製作期間は最低みつもって、7 か月~1年かかり、製作費も最低で1億円。こんなコストのかかるものを、公開のあてもなく作って倉庫に眠らせておくほどの資金力は、いまのアニメ製作会社にはない。たとえば、再編集ものを上映するケースの多い日本アニメーションの担当者がいう。「新作をつくらない理由は、境の金のリスクを一社で負うほどの力はいまのアニメ制作会社にはないということです。映画会社や配給会社とドッキングしなければとてもムリ。企画は作り、アタックはしているが、メルヘンアニメを主体としたうちのカラーとヤング層をターゲットにし、作品を物色している配給会社じゃあ、合わない。意欲はあるが、ここ2~ 3年に新作映画を作れるという状況は来ないんじゃないかと思っています」 (同社営業部)

アカデミーは2年に1本

タブチくんやルパン三世などの新作映画にかなり意欲的に取り組んでいるはずの東京ムービー営業部・片山哲生氏も同じことをいう。「意欲としては2本、新作を作り、公開したいが、自社でまるまる製作リスクテラを負う力はない。原則として配給会社とのドッキング以外では作れないということです。現在、自社だけで作れるというのはサンリオさんと、バックに東映のついている東映動画さんぐらいじゃないでしょうか」その東映動画にしてからが、「地球へ······〟はうちの製作だが、8月の“ヤマトよ永遠に”はアカデミーさんのもの。それ以降も決定しているのは”サイボーグ009のみ。ただ、年1度は大作を公開する路線が確定しているかどうかということは、東映本社の興行か営業の担当に聞いて下さい。うちではわからない」(同社企画部)との意見。アニメ映画がヤング相手に十分商売になる商品であることを身をもって実証してみせたアカデミー制作・長島正治氏が総括していう。「たまたまヤマトは当たったけど、製作期間、コストなどを考えると純粋に自社製作する場合、ヤマト規模のものを年1 本作るのはムリ。ぼくらは2年に1本と考えています。今夏は『ヤマトよ永遠に」を出すが、来年はアニメはなし、実写の『汚れた英雄』1本にしぼり、さ来年ぐらいにまたアニメをと考えています。」『あしたのジョーPART2』『タブチクンPART3』『ドラえもんPART 3』『銀河鉄道999PART2』等々つぎつぎと新作映画の製作がうわさにのぼっているのに、55年4月以降公開予定のアニメ映画のリストがさびしすぎると思っておられるムキもあろう。実は、公開がきちんと決まっているのは、これだけなのだ。もっといえば、企画はあるが、決定権をにぎる配給会社が、まだ、はっきりとゴーのサインを出していないのだ。

ブーム現象に乗るのが恐い

3月8日封切り、出足からいって、アニメ映画では『ヤマト』『999』につぐ興行成績をあげるだろうといわれている『あしたのジョー』の場合をみよう。「ヤマト以降、アニメ映画が興行的に安定してきたことは事実だが、うちの配給作品で年1本ぐらいはアニメでなんて路線化はまったく考えていない。ジョーのパート2も、今回の成績しだいで考えるということで、まだ未定です。むしろ、ブーム現象に乗っちゃうということは配給会社にとっていちばんこわいことなんで、続編製作は相当慎重に考えたい」 (ヘラルド映画) 『タブチくんPART2』『母をたずねて三千里』 4月以降2本のアニメ作品の配給を決めている東宝東和も、アニメの配給はケースバイケースを強調する。「2作品以降の予定はありません。アニメ配給の路線化も考えていない。作品しだいということです」(同社宣伝部) ならば、全配収の70%をアニメで稼ぎ、事実上、アニメ配給専門会社の観を呈している東映洋画部の場合はどうか。担当の山本照記氏が語る。「アニメが興行的に安定した作品であることは、うちの場合、身をもって経験しているわけで、これはまだ当分つづくと思う。しかし、どこかで限界はくるわけで、どの時点でみきりをつけるかがむずかしいと思っています。それに、アニメの場合、観客層を考えると学校の休みの期間にひっかけなきゃダメ。まず、公開しても年一社2~3本が限度、それ以上は増えようがないでしょう」この春3本のアニメを公開、そのうち『ドラえもん』は、おそらくヤマトPA RT2の興行記録を塗り変えるだろうといわれている東宝も「夏休みにまたドラえもんPART2″ をという話はあるが、決まっていません。それ以降も、アニメの公開予定作品はいまのところなし」とつれない。

力をたくわえる時期

当たりはずれのとりわけ激しい映画興行の世界で長年、修羅場をくぐってきただけに、配給会社の面々は相当シビアに今後の見通しをたてているようだ。つまり、単なるブーム商品か、それとも路線化に価する新しい映画ジャンルなのか、なお慎重に模様ながめをしているということだ。希望はある。アニメ制作会社が、この与えられたチャンスを生かして、一作一作いい作品を作り、アニメ映画のすばらを実証してみせること。東京ムービの片山氏に語ってもらおう。「アニメブームという絶好のチャンスを生かして、今こそ力をたくわえておく時期だと考えています。そのため、うちでは、この不況化、減量経営の時代にアホかといわれながら、一昨年から劇場用アニメ専門のアニメーターの養成にとりかかっている。第1期生は60名、1年目は仕事をしなくてもお金はあげるということで、トップのアニメーターにつけてみっちり修業させた。彼らが育って、44年暮れのルパン三世の動画の90%を描いたんです。この4月にも1名のアニメーターのタマゴをとり、ルパンの宮崎大塚コンビにつけて教育する予定。これをやっておかないと、いざ、本当に自力でアニメ映画が作れる状況になったとき、どうしようもなくなる」片山さんが照準をあてているのは海外マーケットだ。「アニメ映画を本気で作った場合、たとえば『星のオルフェウス』で話題になったように、10億、20億円の金はすぐふっとんじゃう。これを回収するには国内市場だけじゃだめで海外もねらわなければ。さいわい、日本のアニメは邦画にくらべ海外での評価が非常に高い。たとえば、うちの「家なき子』のテレビ版は、5ヶ国に売れ、海外だけで何億という金を稼いているし、映画版のほうも、日本での公開に先だち、この1月からイタリアで先行ロードショウされている。アニメにとって海外市場は非常に有望だし、それ裾野に入れた質の高い作品づくりのできる体制をいまととのえておくべきなんです。2~3年先とはいわない。3~5 年先、スケールの大きい作品を作りたい」その意気やよし。ローマは一日にして成らず、である。粗製乱造のアニメ映画のはんらんなど、ファンのほうでも願い下げだ。ブームに浮かれず、年に1~2 本でいい、アニメ映画のだいご味をたっぷりあじわえる良質の作品を送り出してくれんことを! 小なりといえど、アニメ制作会社が、制作会社としての意地をみせてくれんことを!

Roundtable Discussion Redirect1 杉山卓 Taku Sugiyama 恩地日出夫 Hideo Onchi 出崎統 Osamu Dezaki りんたろう Rintaro 実写で撮れない”絵”に魅力を感じた

AM. 恩地さん、アニメの監督を以前からやってみたいというお気持ちがあったのですか。

Onchi. いや、ぼくがつくることになるなんて、夢にも思っていなかった。ただ、話がきたときに、とにかく原作を読んでみて、なかなかおもしろかった。プロの映画監督として、中身にのれば、やっぱりやるべきだろうと思いましたね。それと、実写で絶対撮れない絵が撮れる、ということにも魅力を感じたわけです。

AM. 実写で撮れない絵といいますと?

Onchi. たとえば、宇宙ステーションを発進す宇宙艇を前からおさえて撮ったとして、それを移動で撮るとすると、こっちも宇宙船に乗らなきゃいけない。さらに宇宙ステーション入れ込みでむこうへ行くというようなアングルだったら、実写で撮れば何億もかかる。それと、手前に大きく人物が入っていて、はるかかなたの山の稜線をイヌが走っている、しかも夜、なんていうのは実写で撮れっこない。両方に焦点を合わすことは不可能だからね。光量の問題もあるし。このように、レンズの特性からいって撮れないものや、カメラの特性からいって撮れないものが無数にある。でも、アニメだったら描けばいいわけだから。実写で育ってきたぼくらにとっては、へえっ、こんなものできちゃうんだなあという感じがあるね。

AM. じゃあ、アニメと実写とは根本的にちがうと思われました?

Onchi. いや、アニメだから、実写だからということはないと思いますね。ぼくがテレビをはじめてやったとき「これはテレビだから」、つぎにドキュメンタリーをやったら「これはドキュメンタリーだから」っていわれた。でも、ぼくにとってはぜんぜんちがわなまり、何かを映像にして見せようという点からいえば、アニメといい、実写といい、両者はまったく“映画”をつくっているということではおなじだと思いますよ。

AM. ただ、実写の監督が撮ると、どこかでちがいがでるんじゃないかと……。

Onchi. 映画というのは、ひとりひとりに自分の映画があると思うんです。浦山 (桐郎)に浦山の「映画とは何か」というものに対する答えがあるし、ぼくにもある。それは黒沢 (明)さんも持ってるだろうし、大島(渚) や篠田(正浩)も持ってるだろうし。100人、映画監督がいれば100通りあると思うんです。撮る人によってちがうものだと思う。

Rintaro. アニメーションの場合も、まったくおなじだと思いますね。つまり、文学でいうと文体があるごとく、映画言語といっていいですかね、それがある。それをアニメーションというひとつの素材のなかで表現する、ということですね。監督の立場に立つ、ということでは、変わらないわけですからね。

絵を見せないで声を録る

AM.『地球へ…』で、声優さんをメインでつかわなかったのは、何かワケが?。

Onchi. 声優さんの芝居っていうのができちゃってる気がするんです。ぼくは芝居ってのはパターンがあっちゃいけないと思っているからね。犬と赤ん坊が出てきたら、どんな名優でもくわれちゃうというぐらい、芝居していないから犬や赤ん坊は強いんだよね。

Dezaki. できれば先にセリフをとって、そのタイミングに合わせて口を動かしたほうが、セリフの場合は絶対いいですね。

Onchi. そう思うな。だからこんども、絵を見せないで音を録ろうと思っているんです。あまりにもずれたら修正するけど、いちばん感じの出た音を元にしたいな。

Rintaro. ぼくも声優さんをつかわなきゃいけないというこだわりはないですよ。ただ、アニメ界の特殊性があることも事実ですけど。

Onchi. 目の前にあるマイクを意識した声の出しかたが気になるんですよ。

Dezaki. 芝居に関しては、恩地さんのいうとおりだと思うけど、ただ、アニメーションのある象徴的な部分というか、ハッタリの部分につかって、うまい芝居ができる人もいることも事実なんです。

Onchi. 声優ぜんぶがだめというつもりはまったくない。ただ、わりとイージーにいくつかの引き出しで処理しちゃうという、ギリギリ追いつめられた芝居になってない人が多いということです。

AM. パターン化されたほうがかえってリアリティを生むというケースはないですか?

Dezaki. 場合によってはあるかもしれないですね。 FIND 『火の鳥』で竹下景子を使ったんですけど、上手かどうかは、よくわからない。た独特の存在感と広がりみたいなものがあるのね。あっ、この人はスターなんだなと思いました。

Dezaki. 声優さんも、まあ最近は顔知られてるけど、一般にはまだですから、そういう意味では、アニメーションのキャラクターにかぶせていくにはプラスの面もあると思う。

Onchi. そうね、声の人の顔が浮んできちゃうというよりもいいかもしれない。ただ、声の人の顔がでてきちゃう、ということを逆手にとって、絵で出せない存在感をおぎなう、ということはあるんじゃないかと思うね。フィルムは監督のもの

Onchi. アニメ界で気になるのは、総監督とか総指揮とか、いっぱいタイトルにでてくるでしょう。あれがわからないんだな。だれが著作者なのかわからなくなっちゃう。

Dezaki. そのへんが非常に混沌としている。

Onchi. そうしたら、アニメの監督がぜんぶ映画監督協会に入ればいいんだよ。映画の監督というのは著作人格権というものが法律で認められている。経済利用権はぜんぶ会社に持っていかれているけど、原形を切ったりはったりというのは、本人の了解なしにはできない。

AM. 実写の場合はそうなってるわけですね。

Onchi. 実写ってそれは関係ない。映像なんだから。アニメだって映画だから、

Sugiyama. 前近代的な部分というのがあるんですよね。

Onchi. 大昔、溝口健二)さんの『西鶴一代女」を大蔵貢がばらばらに編集し直して出したことがあった。それに抗議したとき「横山大観の絵をオレが買ったとして、それを半分にして便所に掛けようが、逆さまにして玄関に掛けようがオレの勝手だ」っていったわけ (笑)。それで大もめにもめて、その後、著作権が国会で問題になり、ぼくらも呼ばれたりしたんですけど、結局、人格権だけは確立されているはずです。

AM. テレビの場合はどうなんでしょう?

Onchi. テレビの作品を再編集する場合でも、当然、オリジナルはだれか監督してるわけだから、了解なしにはできないはずですよね。

AM. そういうことも、作品とはかかわりなく、やっていかなくちゃいけない問題ですね。

Onchi. プロとして、要求すべきものは要求すべきですね。それを、一応団体として保証しているのが監督協会だから、入ったらいかがですか。ぼく推薦人になるから。

Dezaki. いっぱいいるなあ。

Rintaro. アニメの場合、監督の立場がおくれてスタートしていますからね。

Sugiyama. 完全な絵描き主導型のもののつくりかたをしてきましたからね。いってみれば、整係としてなら認めようとか(笑)。

Rintaro.名称すら定着してないわけですよ。あるときは〝演出”あるときは”チーフ・ディレクター”あるときは〝監督”だったり・・・・・

Onchi. 監督”にしてください。そう表示しないと著作権もらえないですよ。

Sugiyama. アニメーションの場合 “監督”とはっきり明示されるようになったのは、つい最近ですものね。

Onchi. 演出というのは著作権ないですよ。ぼくらがテレビドラマ撮るときに”演出”にしてくれって、よくいわれるんですよね。そういうとき、監督じゃなきゃやらないというと、またあいつうるさいからやめとこうって(笑)。

Dezaki. なあなあの部分ってあるんですよね。

Onchi. 原作者と制作者の2つの問題がありますね。制作者との関係は、いろいろな形で闘われていると思うけど、原作者との問題が実写の場合でも残る。ぼくが石原慎太郎の原作をやったときに、石原慎太郎が試写を見て、途中で怒って出ていっちゃったということもあるんです。

AM. 竹宮恵子さんの場合は?

Onchi. ラストが原作と変わっちゃった。じつは、脚本を書く段階で原作がまだ半分くらいしかなかった。それで、ラストをどうしようかということで、ずいぶん話し合って意見が一致していたはずなんだけど、むこうも書いていくうちに微妙に変わったし、こっちもすこし変わって・・・・・・。でも、しょうがないわけですよね。原作はあくまで原作だし、フィルムに関しては監督の作品だしね。

Dezaki. 雑誌の表現とフィルムの表現は、やっぱりちがいますからね。

アニメーターはアニメでの役者

Dezaki. ぼくは、恩地さんがこんど、いちばんご苦労なさるのは、相手が役者さんじゃなて、監督のイメージをこう表現してくれといったときに、それが描き手の頭の中を一度通って、絵になって出てくるという……………そのときのギャップというものが、実写とくらべたらものすごくあると思うんですね。

Onchi. そうですね。ぼくは脚本はメモだと思っているからね。どうしても、役者との交流のなかで映像をつくっている習性があるでしょう。そうすると、今度の場合、映像ができちゃったときはもう完成するときだから、これはものすごくつらいなあという感じがある。

Dezaki. ですから、ぼくらはこうやって監督として集まっているけれども、本当にアニメーションの未来にとって重要なのは、そういうイメージを表現できる技術とパワーをもったアニメーターたちが、どれだけ育つかということだという気がしますね。

Onchi. 実写の場合、企画があって、脚本をつくって、キャスティングしますよね。これが終われば、80%できたようなものです。『地球へ･･･』でぼくが最初の2か月間、スタッフとただしゃべって過したというのは、結局そういうことだと思うんですね。描く人がぼくのイメージをわかってくれなかったら、代わってもらうよりしょうがないと思って話してましたけどね。なにしろ、役者をどなったりして、何かとやってるあいだにできてくるというのになれているから (笑)。

AM. 役者さんのかわりに、アニメーターのかたをどなったりとか…。

Onchi. いや、そんなことしたら……(笑)。

Sugiyama. それはちょっとむずかしい(笑)。

AM. でも、アニメでの役者さんというのはアニメーターのかたなんじゃないですか?

Dezaki. そうですよ。だけど、アニメーターはキャラクターをつくるだけじゃなくて、画面まで構成していくカメラマンだったりするわけですよ。もちろん、演出家が演技の方法も指定するわけだけど、それを映像として固定していくのは彼らなわけです。アニメーターにしても、こうやりたいのに演出が求めてくれないというような欲求不満もあると思うんですね。つまり、そういう意味で、頭のなかどおしでケンカしているみたいなところがありますね。

Onchi. すごく、デリケートなんでビックリしたね。活動屋どおしのケンカしてるみたいなシャベリというのが、アニメ界ではあんまり通用しないんだな、というのは感じたね。

Sugiyama. 全体に内向的ですよね。

ことばでつたわらないイメージ

Dezaki. それと、いまのアニメーターは演技” から入っているわけじゃない。描く絵から入っている。そのへんがやっぱりぼくらの意図を彼らに伝えるのがむずかしい点だと思いますね。最終的にはこうなんだと、絵を描かなければわからないというようなこともある。そこらへんを乗り越えて、なおかつすばらしいフィルムを恩地さんがつくれば、これはもう、ボクら実写の勉強をはじめなきゃならない(笑)。

Rintaro. アニメーションの場合というのは、そこが微妙なところがありますね。ことばでいってもダメという。こういうことがありました……。ぼくの頭のなかに竹ヤブのイメージがありましてね、竹ヤブのむこうはだということをいうと、背景の人はまっ黒描いてくるわけですね。この“暗黒〟を伝えるのに1週間話して、ついに、ことばを失ったんです。で、あなたの竹ヤブのイメージにしてくださいといったら、ピタッと近いものが出てきたことがある。そのへん、胃を絞りあげるように、絵描きさんとつきあっていかなくちゃいけないんでしょうね。

Onchi. それは役者との関係でも同じで、10 かってほしいと思うことがあっても、ことばで表現できるのはせいぜい6か7、残りは、ことば以外のところでわかってくれなきゃいけない。わかっても、5しか表現できない役者はやっぱりダメ(笑)。7いってわかって 7出してくるのはふつうの役者。 7いっわかって10出してくるというのがいちばんいい役者だね。そういうことば以外のところでの関係というのが、役者と監督の場合成り立つ。それが高じると、役者に惚れちゃったりしちゃうんだろうけど(笑)。

Rintaro. 作品が光るか光らないかというのは、そこが勝負みたいですね。

Onchi. アニメーションの場合は、絵描きさんとそれをやらなきゃいけないということでしょうね。

キャラクターに演技をさせる

AM. 今後もこういう劇場用長編アニメがつづいていくための条件っていうと何でしょう。

Sugiyama. 芝居のできるアニメーターが必要だな。

AM. というと?

Sugiyama. テレビ的テクニックというのは非常に発達してきたけど、いわゆるキャラクターが演技するというのが、いつのまにか忘れられてるわけね。絵の形がひとつの代用演技みたいな形で定着しちゃったでしょう。ところが劇場用作品というのは長いショットがかならずでてくる。そういう長い芝居にたえられる人が、相対的に数が少なくなってきている。もっとそういう人がふえないと、せっかく開きかけたジャンルが、結果的には作品自体の力のなさで低下していっちゃうという可能性がありますね。

Dezaki. そこで重要になってくるのはリアリティの問題なんですけど、ぼくは実写の経験はぜんぜんないけど、少なくともライブアクションというのは、現実に生活しているから、わかることはわかる。それでぼくたちのアニメーションのことば”を映像にしようとしたときに、たとえばライブアクションのタイミングでやると、ロシアなんかで、それこそライブアクションそのまま紙に描いて動かしたというのがあるけど、気持ち悪くて見ていられない。アニメーションは絵ですから、誇張があったり、ある種の抽象的な記号であったりするわけです。それを的確にとらえながら、さらに、現実のアニメーターの限界もとらえつつフィルムにしていかないと、監督のひとり芝居になてしまうおそれがある。

Onchi. そのおそれが、現実にぼくの場合あるわけだよ。

AM. それは、どのような?

Onchi. たとえば、1時間半の映画を撮ると、岡本喜八なら、だいたい1000から1100 カット、ぼくの場合が350~400と少ないわけです。『地球へ･･･』は650カットなんですね。りんさんの『銀河鉄道』は……

Rintaro. 1700ぐらい。

Onchi. そうでしょう。『地球へ』はものすごく少ないわけ。それをよくいわれるんだけど、ぼくとしては2時間のものが650ということは、ふつうよりちょっと多いくらいだと思っている。でも、その長いカットをアニメーターがどうもたせてくれるかということに、ぼくは賭けるよりしょうがないんです。もう、信じちゃったわけですよ。もしこれをもたせてくれなかったら、ぼくのコンテ自体も間違いだし、作品としても失敗だろうと思っているわけです。ただアニメーター自身は、長いぞということで最初すごくったわけ。自分がイッパイやれるということで。いまはもう、たぶん殺してやりたいと思っているだろうけど(笑)。

アニメのカット割り

Dezaki. やっぱり、これはいえるのは、実写と描いた絵との質感というのが、まったく違うんですね。どう描いても、セルアニメーションというのは質感が出ない。そうすると、おのずと、そのショットに耐えられる時間とか構造というものが、実写にくらべたら短いんですよね。

Onchi. 絵だから持たないという部分を致命的に持っているという認識からカットが多くなっているんだろうけど、ぼくは、それをどこまで持たせるかやってみろ、という形でだしたということですね。

Dezaki. 逆に現実にかかる時間よりも、少ない時間でそれを表現できるってこともあるわけですね。

Onchi. そうですね。だから、それがアニメらしさということになるんでしょうね。そこはぼくもよくわからないんだけど、ただ、キャラクターとバックとの関係で、当然、10歩かかるはずのところが、3歩ぐらいで動いちゃうというのがすごく気になるね。

Dezaki. それは、ぼくもときどきいわれたりしますけど。

Onchi.で、それがアニメらしさかなというと、そういうことはないと思う。

Dezaki.でも、アニメーションでその100歩をすべて映像にしてしまったら、逆に”歩かない” ってこともあるわけですね。だから、たとえば2歩あるいて、何かやって、つぎにドアのところへ行くというようなことも、アニメの場合は必要なんですよね。

Onchi. そうすると、カットを割るっていうことになるんですね。つまり、いい役者だったらいくらでも長くまわせるし、つまらない役者だと、どうしても切らなきゃいけないというのはぼくらの世界でも同じだけど、アニメーターが、ぼくの切ったコンテをもたせてくれるかどうか･･････もう期待と不安だね。

Rintaro. 実写がいいな、と思うのは陰影が入っているということ。アニメーションでふつうにほったらかしておいたら、陰影はまずないわけでね。背景にもキャラにも陰影をつけなければいけない。当然、絵だけじゃなくて、さっき出崎氏がいった芝居ということでも陰影があると思うんだね。そのへんをほっぽらかすと非常に平面化したアニメになっちゃう。むずかしい、キャラと背景のカゲ

Onchi. それだけは最低の要求として注文つけたわけ。光源を決めろと。太陽が当たっているときは、明りのもとは太陽しかないんだ。ところが、これはみなさんがおつくりになっているアニメではないと思うけど、たとえば、バックは右から光線が来ているのに、その前で動くキャラクターは左から光線がきているというようなの。これは、生理的にゆるせないわけ。ぼくらは、明りで勝負しているんだからね。こちら側に影をつけたほうが顔がしまるということは関係なく、こっちから光がきたら、反対側にとにかく影をつけるんだと。

Rintaro. 陰影つけると、1色でいいところを2 色塗らなきゃいけない。これが制作的になるべく陰をなくせということで、非常にある一面、平面化された部分はありましたけどね。でも、最近はそういうことないみたいね。

Onchi. このあいだのテストであがってきたフィルムを見たら、影がつきすぎちゃって、その影がウニョウニョ動くんだよね(笑)。これか気になってね。ていねいにつけすぎちゃったんだね。キャラクターの動きより、影の動きに目がいっちゃう。

Rintaro. むずかしいですね。実写みたいに、ソフトフォーカスでボーッとならないでしょう。ピタッとくる。これが生きるときとジャマだなあというときがある

Dezaki. つまり、光と影の要素を満足しながら、なおかつ、美しい絵でなければいけないわけですね。そうなってくると、アニメーターの技術とか作家性とか、美意識みたいなものまでいってしまうから、完全なものを求めていくと、いくら時間があっても足りない。

Onchi.だから、いま時間がなくてまにあうかまにあわないかという段階に来ているけど、スタッフに恨み抜かれて、あの野郎殺してやりたいというふうに思われるのが、ぼくの仕事だと思っているんだけどね。

Rintaro. 監督って、そういうことが宿命的についてまわるみたい

Onchi. それで結果がよければ、みんなで喜び合えるわけだ。悪かったらえらいことになるけどね。

Rintaro. 月夜の晩ばっかりじゃない、という感じになる(笑)。るね。

Sugiyama. 最終段階ではそうな個性あるフィルムが勝負 \ 題材なんですけど、これはアニメ向きなんていうのがありますか?

Rintaro. 何でもやりますよ。「源氏物語」だろうが「平家物語」だろうが、こわいもの知らず(笑)。この何でもやる、何でもできるというのが、ぼくがここまでアニメーションをやってきたパワーになっていると思う。

Dezaki. たとえば、1枚のすぐれた絵があったときに、その絵の持つ詩情みたいなものを追いかけた作品。絵画的な要素もあるわけですから、そこらへんを生かしながらそういうのができたら……なんて思っているんですけど。

Onchi. それはアニメ向きだとか向かないとか、決めるのがおかしいよね。

Sugiyama. 『エースをねらえ!』なんて、アニメを見たという感じじゃなくて、いい青春映画を見たって感じ。

AM. 結局、つくり手の問題ですね。

Onchi. ぼくが映画界に入ったのが昭和30年。 3年が映画界のピークだったんだけど、何つっても入るという時代。それがダメになっていったのは、監督の責任ですよ。いま、アニメが需要過多の状態でつくられていったなかで、結局、個性あるフィルムが何本出るかが勝負になってくると思う。絵が動いてりやいいいっていうお客はそういないよ。やっぱり、りんたろうのだから、出崎さんのだから、杉山さんのだから見る、そういうふうにならないとダメなんじゃないかな。